Retratos de la Historia

"Triple Autorretrato" de Norman P. Rockwell, 1960.

Norman Percevel Rockwell nació el 3 de febrero de 1894 en Nueva York y falleció el 8 de noviembre de 1978 en Stockbridge. Ilustrador, pintor y fotógrafo norteamericano, su obra se caracteriza por sus creaciones realistas repletas de humor e ironía sobre las virtudes y defectos de la población estadounidense.

Nacido en el seno de una familia de la clase media que solía pasar sus veraneos en Nueva Jersey, tuvo una infancia feliz y sin problemas. Pronto despuntó su don para las artes plásticas, siendo sobretodo un talentoso dibujante realista, lo que le llevará a convertirse en un magnífico ilustrador. Conscientes de sus excelentes disposiciones para el dibujo, sus padres le inscribirían a la Chase School de Manhattan, para otorgarle su primera formación artística combinando sus clases con sus estudios escolares.

A los quince años abandona la formación escolar para entrar a la National Academy School, donde como casi todos los artistas de su tiempo en aprendizaje, se dedica a hacer copias de vaciados en yeso. De ahí pasaría a la Art Students League (1910), formándose académicamente en anatomía e ilustración, perfeccionando sus conocimientos bajo las indicaciones de George Bridgman y Thomas Fogarty.

Pocos años después, encuentra su primer empleo de ilustrador oficial en la famosa revista de actualidad y sociedad Saturday Evening Post, para la cual creará su primera portada en 1916. A partir de entonces, su vida estará íntimamente ligada a la revista hasta 1963, creando incontables portadas, anuncios, ilustraciones y publicidades que gozaron de una gran popularidad y a menudo imitadas por otros. Creó para las conocidas marcas de McDonald's y Coca-Cola numerosos carteles publicitarios que, pronto, le supusieron una lluvia de comandas por parte de otras compañías que vendían cereales, chicles, neumáticos, etc.

Artista prolífico, sus obras tuvieron gran difusión sobretodo en la primera mitad del siglo XX, dotadas de un profundo sentido anecdótico que giraba entorno a la cotidianeidad norteamericana, la vida de los norteamericanos de las clases trabajadoras y de clase media, haciendo especial hincapié en los niños y sus actividades. Durante las décadas de 1930 y 1940, se dedicó a plasmar de modo fidedigno el ambiente hollywoodiense, alejado de la preocupación por la IIª Guerra Mundial, lo que no le impidió crear carteles publicitarios que ensalzaban a los soldados norteamericanos a modo de llamamiento público, para que las gentes se implicasen y diesen el necesario apoyo moral a las tropas estadounidense involucradas en el conflicto.

Más allá de la propaganda nacional y patriótica, a la cual contribuyó en su momento, Rockwell se ocupó en retratar a la sociedad norteamericana de entonces con sus convenciones sociales. En cierto modo, y desde su posición de ilustrador a pie de calle y cercano, se dedicó ecuánimamente a criticar los defectos de la sociedad y a subrayar algunos de sus valores.

En las décadas de 1950 y 1960, Rockwell volvería a sus temas familiares: escenas navideñas, reuniones familiares, día de acción de gracias, viajes de familias en automóvil, escenas cotidianas de tenderos y barberos, chismorreos vecinales y callejeros, críos frecuentando las heladerías, retratos individuales muy logrados (como de los presidentes Eisenhower, Kennedy, Nixon)... todo con un realismo tan preciso y perfeccionista que roza el virtuosismo.

"El Entendido" de Norman Rockwell. / Abajo, "El Crítico de Arte".

Sin embargo, Rockwell sufrió a nivel personal y como artista una sensación de incapacidad para ubicarse entre las diferentes corrientes artísticas del momento. Artista y maestro de lo popular, se sentía excluído de los cenáculos artísticos modernos con sus tendencias abstractas, expresionistas e hiperrealistas, creyéndose infravalorado. Por este hecho, el artista sufrió pasajeras crisis depresivas a lo largo de sus últimos años. Pese a todo, Norman Rockwell se caracterizó por su talante sereno y profundamente reflexivo.

"El Problema con el que todos convivimos", de Norman Rockwell, 1964.

A mediados de los 60 y principios de los 70, Rockwell volvería a recuperar su primitiva mordacidad y su mirada crítica con la sociedad norteamericana en una época de grandes cambios para EE.UU. Partidario del multiculturalismo, de la integración de los afro-americanos, de la defensa del débil, de la libertad de culto y de los derechos humanos, dejó patente sus inclinaciones políticas representadas por la figura del entonces presidente John Fitzgerald Kennedy.

"El Presidente John Fitzgerald Kennedy" según Norman Rockwell.

En los Transportes Metropolitanos de Barcelona, se han visionado durante semanas, mientras se iba de una punta a otra de la ciudad bajo tierra, todo tipo de cortos (incluyendo cortos animados) que se presentaban en concurso. Cerradas las votaciones populares, ha ganado finalmente un corto francés muy divertido aunque, no queriendo desmerecer a los demás, aconsejo al internauta que se de un garbeo por la web de TMB y visione todos los cortos que han competido. Aqui está el enlace:

http://subtravellingfestival.tmb.cat/es-ES-microcortos-galeria.aspx

Espero que lo disfruten como yo lo he disfrutado. 

La fisionomía del Palacio de Versailles ha recuperado por fin el fabuloso enrejado de la Puerta Real, que dividía antes de la Revolución Francesa el patio de armas o patio de honor del patio de mármol también llamado patio real. La inauguración tuvo lugar el 30 de junio de 2008 y responde a un proyecto que persigue devolver paulatinamente al palacio su aspecto original antes de 1790.

La reconstrucción y restitución de la Puerta Real a su antiguo emplazamiento (donde desde el reinado de Luis-Felipe I tronaba la estátua ecuestre de Luis XIV, ahora en restauración) ha costado dos años de trabajos para recrear con fidelidad absoluta ese gigantesco enrejado de hierro dorado, que había sido creado en 1680 bajo la dirección del arquitecto Hardouin-Mansart, antes de ser destruida durante la Revolución.

Desaparecida durante la Revolución, Luis-Felipe I (que convirtió Versailles en un museo dedicado a las glorias de Francia) tomó la iniciativa de erigir en su lugar la estátua ecuestre en bronce del rey Luis XIV, en 1836. La entonces Puerta Real formaba parte de un doble sistema de cierre por razones de etiqueta y de seguridad, separando el patio de honor o de armas del patio real o patio de mármol, al cual tan solo podían acceder los carruajes del rey, de la Familia Real, de los Príncipes de la Sangre y de los duques y pares de Francia.

Obra maestra de la arquitectura barroca, la fabulosa reja mide nada menos que 80 metros de longitud. Hicieron falta dos años de trabajo para que los más cualificados herreros y forjadores pudieran dar forma a quince toneladas de hierro puro y dorarla con 100.000 hojas de oro. En su reconstrucción también han intervenido escultores y doradores. Si el resultado es magnífico y fiel al diseño original de Hardouin-Mansart, el coste ha ido a la par: 5 millones de euros que han salido de fondos privados bajo el mecenazgo del Grupo Monnoyeur.

Para el presidente de los Museos Nacionales de Versailles y de Trianon, el señor Jean-Jacques Aillagon, la restitución de la reja devuelve al palacio un elemento esencial de su identidad histórica.

La devolución de la reja o puerta real a su antiguo emplazamiento divisorio, 327 años después de su creación, permitirá también regular el flujo de los visitantes y turistas, simplificando las vías de acceso al palacio, y acabando con las interminables colas de espera.

De entre los muchos artistas anónimos, grafiteros muchos de ellos, que comparten a diario su arte con nosotros los peatones, con las tribus urbanas de cualquier punto del mundo occidental, sobresalen algunos que invierten gran parte de su tiempo para deleitar furtivamente nuestros ojos en muros de construcciones, persianas de locales o edificios desahuciados, y los admiro.

No confundamos a los verdaderos artistas de la calle con los gamberros que solo saben plasmar su "firmita" sin ton ni son por paredes, cristaleras, vagones de metro o de tren, ensuciando más que decorando el ya de por si asqueroso paisaje urbano. Separando el grano de la paja, podemos descubrir a grandes artistas jóvenes de los que ni siquiera podemos retener los nombres, pero que embellecen, a su modo, pintando ciertos muros con mucho acierto y, muchas veces, con mensajes políticos claros. Entre los archiconocidos "okupas", que siempre suelen ser desalojados a hostias policiales de edificios ruinosos y abandonados por sus propietarios (por mera especulación que, a día de hoy, se ha hundido gracias a la crisis), hay auténticos artistas que me maravillan con sus efímeras obras, prontamente acribilladas por los pubertosos de pantalones caídos y culo al aire, en pleno ataque de rebeldía desplazada, con sus feísimas "firmas" y su paupérrimo sentido de la estética. En fin, no se puede hacer mucho al respecto. En cualquier caso, y muchas veces se me pasa por alto, siempre se puede hacer una foto con el móvil, de la obra impoluta antes de que los chavales grafiteros empiecen a acribillarla con sus cagadas de mosca, y asi salvarla en cierto modo del vandalismo a las que se ven condenadas. Alguna que otra vez he podido fotografiar con mi móvil esas "obras de arte" urbanas que tanto me gustan y fascinan, como la del "Caballero con la mano en el pecho y una lata de Coca-Cola", sencilla pero tan cautivadora.

Pero, si algo bueno tiene la TV, es que a veces te ponen en conocimiento de esos artistas de la calle, como el británico Julian Beever, sobre quien se ha hecho una serie de programas televisivos, siguiendole en su eterno peregrinaje por distintas ciudades del mundo (el Viejo y Nuevo Continente). Gracias a ese programa que se emite de cuando en cuando en el Canal 33 de Cataluña, descubrí a Julian Beever, el artista de lo efímero que se contenta con fotografiar sus obras antes de que se desvanezcan. Viajando con su mochila y su caja de tizas de colores, se planta en medio de plazas y calles emblemáticas de las grandes urbes que visita, para realizar una obra que no dura más de tres días. Maestro de la anamorfosis, aunque él diga que sigue aprendiendo y evolucionando, utiliza el 3D para plasmar obras que fascinan a los transeuntes como lo hace Kurt Wenner.

Si aún no conoceis sus obras, pintadas con tiza en aceras y plazas, creo que es un buen momento para descubrirlo o redescubrirlo con estas fotografías rescatadas de la red.

"Babyfood" de Julian Beever.

"Botella de Ballantine's" de Julian Beever.

"Batman y Robin al rescate" de Julian Beever.

"Eagle Flag" , Día de la Independencia, 4 de Julio en Philadelphia, de Julian Beever.

"Fountain Street" de Julian Beever.

"Rafting" de Julian Beever.

"Times Square" de Julian Beever.

"Waterfall" de Julian Beever.

Kurt Wenner es un artista y arquitecto oriundo de Ann Harbor, Michigan (EE.UU.), que ha trabajado para la NASA pero cuya fama se basa, principalmente, en sus obras en 3D plasmadas sobre el asfalto o cualquier suelo que le brinde la ocasión de mostrar su arte. Tiene el don, como Julian Beever, de transformar el pavimento urbano en un lienzo sobre el que plasma maravillosamente escenas mitológicas, futuristas, alegóricas e incluso surrealistas. Aunque son obras de arte efímeras, que solo consiguen sobrevivir gracias a la fotografía, son sencillamente espléndidas y maravillosas por la ilusión óptica que ofrecen al espectador.

Como sé que describirlo con palabras es como quedarse a medias, ¿qué mejor manera que la de ofreceros una serie de esas fotos que se hicieron para fijar en el tiempo sus efímeras obras de arte? Pues aqui las tenéis y espero que os maravillen tanto como a mi.

"Dies Irae" de Kurt Wenner.

"Narciso" de Kurt Wenner.

"Reflejos" de Kurt Wenner.

"Venecia" de Kurt Wenner.

Si os han cautivado esas pocas muestras de su enorme talento, os aconsejo que déis una vuelta por su página web. Aqui tenéis el enlace que os llevará directamente a la galería de Kurt Wenner:

http://www.kurtwenner.com/gallery/NewWork_gallery/index.htm

¿Sabían que el Palacio de Versailles, en su máximo apogeo, estaba enteramente amueblado con plata maciza? Que Luis XIV, en vez de conservar su tesoro en cofres, lo hizo transformar por los mejores orfebres de la nación en mesas de 350 kg. de metal precioso, en espejos de 425 kg., en balaustradas de más de una tonelada, en gigantescos jarrones, en fuentes, en macetas de naranjos, en candelabros, en cajas, en bargueños, en suntuosas vajillas, en sofás, sillas, sillones y taburetes?

Todas esas maravillas, reagrupadas en el Gran Apartamento del Rey, ofrecían una singular e incomparable sinfonía visual con los oros, los mármoles y las miles de velas de candelabros y arañas de cristal, creando así un ambiente de brillantez y de luces hasta el punto de dejar estupefactos y maravillados a los contemporáneos. Y ¿qué decir del trono del Rey, con sus 2 m. 60 de altura, que impresionó sobremanera a los demás monarcas europeos? En las grandes ocasiones, el monarca disponía que su fabuloso trono presidiera la Gran Galería de los Espejos, desde lo alto de una tarima tapizada en hilo de oro y elevada sobre nueve peldaños, flanqueado por vasijas y antorchas de 9 pies de altura, como en 1686 para la recepción del embajador del Rey de Siam.

¿De dónde vino esa extraña idea de concebir muebles de metal? Pues nada menos que de España, desde finales del siglo XVI. Fue con la Infanta Ana de España, en el momento de su enlace con el joven rey Luis XIII, en 1615, cuando entre sus baúles traía consigo preciosos muebles de plata para decorar su alcoba y que formaban parte de su sustanciosa dote. Escasos en los primeros años, aquellos preciosos muebles y enseres se multiplicaron tras la experiencia versallesca y durante medio siglo, de 1690 a 1740, y encontrándolos en todas las grandes cortes de Europa, en cantidades a veces impresionantes.

Mesa de plata maciza repujada del Castillo Real de Rosenborg, perteneciente a la colección de Margarita II de Dinamarca.

Luis XIV empezó a encargar a sus mejores orfebres la confección del más suntuoso mobiliario de plata repujada que imaginarse pueda en 1664. Dícese que, para ello, se emplearon nada menos que 20 toneladas de plata procedente de las minas de Perú y que formaban parte de la fortuna personal del soberano. Los orfebres del Rey, como el famoso Ballin, autor de la mayoría de esas obras de arte, se encargaron de ejecutar las comandas bajo la batuta del primer pintor Charles Le Brun, quien imaginó los diseños. El coste de semejante capricho supondrá una factura de 10 millones de Libras para la Corona Francesa.

El Salón de La Abundancia, en el Palacio de Versailles, con una fuente de plata en su centro.

El suntuoso mobiliario real realizado en la Manufactura Real de los Gobelinos, solía seguir al Rey en todos sus desplazamientos por los distintos Reales Sitios, hasta que la corte se instala definitivamente en Versailles, en 1682. Puesto que Versailles se ha convertido en la residencia oficial de la Monarquía, del Gobierno y de la Corte Francesa, el mobiliario de plata maciza encuentra naturalmente su sitio en el Gran Apartamento del Rey, que ocupa la planta noble del palacio. Asi pues, ocuparían nada menos que siete estancias seguidas constituyendo el conjunto decorativo más impresionante de la época, desde el Salón de Hércules hasta la Gran Galería de los Espejos. Luis XIV podrá, entonces, ya a partir de la estación invernal de 1682-1683, ofrecer las veladas cortesanas en su Gran Apartamento, tres veces por semana, desde las 6 de la tarde hasta las 10 de la noche. Aquellos días tan especiales y esperados, consistían en un concierto seguido de un baile, partidas de billar y de cartas hasta la hora del "Gran Cubierto" en el Salón de Venus, donde se ofrecía un refrigerio a modo de cena, con mesas cargadas de vajilla de plata bañada en oro fino llenas de frutas, confituras y viandas mientras que los licores, vinos, té, café y chocolate eran servidos en el Salón de la Abundancia.

Sin embargo, ese despliegue de maciza suntuosidad iba a durar tan solo siete años (1682-1689).

En 1685, la revocación del Edicto de Nantes lleva al exilio a decenas de miles de hugonotes. En pocos años, toda la Europa protestante se coaliciona contra Francia. Para hacer frente a los costes de la guerra contra la Liga de Augsburgo, el Rey decide sacrificar su mobiliario de plata: el 3 de diciembre de 1689, anuncia a la corte que envía sus muebles a la fundición. El 11 del mismo mes, el Gran Apartamento de Versailles es vaciado. De entre los primeros objetos enviados a la Real Casa de la Moneda, figuran los ornamentos del trono. Cinco meses serán necesarios para fundir aquel tesoro. En mayo de 1690, el mobiliario de plata ha dejado de existir: "La guerra es un arte que destruye todas las otras..."; fueron las escuetas palabras del soberano.

El producto de las 20 toneladas de metal fundido será una decepción. El monarca solar pensaba obtener 6 millones de libras con la destrucción de todas esas obras de arte cinceladas que, décadas antes, le habían supuesto un desembolso de 10 millones. Tan solo obtendrá 2,5 millones!

Durante un decenio, las artes y letras de Francia atravesarán uno de los periodos más sombríos de su historia. Pasado ese tiempo, ebanistas y doradores van a tomar su revancha sobre los orfebres reales. Las maderas nobles, delicadamente esculpidas, finamente doradas con pan de oro, vendrán a reemplazar los fulgores de la plata...

El recuerdo de esos muebles de plata maciza se perdió paulatinamente puesto que, al constituir una reserva monetaria, fueron frecuentemente enviados a la fundición para transformarlos en monedas contantes y sonantes. Lo hizo Luis XIV, y sus cortesanos le imitaron por "patriotismo". Los demás monarcas y grandes aristócratas europeos que pretendieron emular al Rey-Sol y agobiaron a los orfebres de Augsburgo con multitud de encargos, también sufrieron penurias financieras y echaron mano de sus reservas en tiempos difíciles. No quedan más que unos pocos ejemplares, algunas doscientas piezas en todo el mundo. Pero, ¡qué vestigios! extraños y sublimes a la vez.

Muchos de esos muebles y objetos de gran tamaño perduran, a día de hoy, como el recuerdo de aquella época de fastos. Los encontramos preciosamente conservados en las colecciones reales de Gran-Bretaña (castillo real de Windsor), de Dinamarca (la soberana danesa Margarita II posee la mayor colección existente en el mundo, en su castillo real de Rosenborg), de Suecia, de Baviera, de Sajonia, de Prusia y de Hannover... También el Duque de Devonshire (en su castillo de Chatsworth), la Princesa Esterhazy (en su castillo de Forchtenstein), y Lord Sackville (en su castillo de Knole) poseen vestigios de aquella moda que hizo estragos en los siglos XVII y XVIII.

En 2007, los conservadores de los Museos Nacionales de Versailles y de Trianon consiguieron que todos los propietarios de aquellos vestigios de ese esplendor pasado, colaborasen para recrear en el Gran Apartamento de Versailles aquella deslumbrante decoración de tiempos del Rey-Sol con sus preciosas piezas de colección. Incluso el Palacio del Kremlin participó activamente, aportando hermosas piezas de plata maciza procedentes del Tesoro de los Zares de Rusia. Pero fue la reina Margarita II de Dinamarca quien aportó el grueso de aquella muestra, coincidiendo con el cierre temporal del castillo de Rosenborg. Fue cosa hecha el 12 de diciembre de 2007, cuando se inauguró por vez primera la exposición de aquellos tesoros, compuesta por 200 piezas en plata maciza, en el suntuoso marco de Versailles, dando cuerpo a un viejo sueño del equipo de conservación del museo, bajo la dirección de Béatrix Saule, conservadora-jefe de Versailles y de Trianon.

Nunca, hasta entonces, se había hecho semejante exposición temática en Versailles, y tampoco se ha hecho en otra parte del mundo, reuniendo diversas colecciones privadas diseminadas en la geografía europea para recrear un ambiente decorativo de hace 300 años.

Detalle del cuadro "Reparación del Dux de Génova ante Luis XIV de Francia", que se produjo en la Gran Galería de los Espejos de Versailles. Se puede apreciar al rey Luis XIV, de pie, delante de su trono de plata maciza, rodeado por los príncipes de la Casa Real Gala y demás fabulosos objetos de plata.

El 9 de marzo de 2008, se clausuraba aquella fabulosa e inimitable exposición "Cuando Versailles estaba amueblado de plata". ¿Podrán repetirla algún día? Esperemos que si.

Desde el pasado día 2 de diciembre, Ignacio Goitia, el virtuoso de la pintura acrílica bilbaíno, ha desembarcado con sus telas en la otra orilla del gran charco atlántico; toda una suerte para los ciudadanos de Miami, puesto que presentaba en el Hardcore Art Contemporary Space sus últimas obras por espacio de casi un mes.

"La Residencia", de Ignacio Goitia. Pintura acrílica sobre lienzo, 2008.

Fiel a su característico estilo, nos trae unas pinturas de palaciegos ambientes en los que se apostan caballeros uniformados o trajeados, hombres desnudos, policías y alguna que otra dama enfundada en un vestido de tafetán, mezclándolos como si se tratase de un cóctel que tan solo pueden sorber los ojos del público sediento de sensaciones.

Para que lo comprobéis, os dejo aqui debajo otras tres obras de las expuestas en Miami hasta el 1 de enero de 2009.

"Llegada a Viena", de Ignacio Goitia. Pintura acrílica sobre lienzo, 2008.

"Salón de Caza", de Ignacio Goitia. Pintura acrílica sobre lienzo, 2008.

"Visita al Walhalla", de Ignacio Goitia. Pintura acrílica sobre lienzo, 2008.

Lo mencioné antes y vuelvo a hacerlo. Ignacio Goitia, artista vasco ubicado en Bilbao (si mal no recuerdo), tiene una extensa obra en la que predominan paisajes arquitectónicos y ajardinados conocidos, poblados de girafas que pasean, se reclinan en camas de reyes o comen nubes cuando no tronan en medio de una carretera sin fin. Algunas veces, cohabitan con hombres desnudos, policías, militares y algunas modelos de Christian Dior de los 50. Parajes majestuosos, habitaciones suntuosas en las que deambulan camellos, girafas y personas en situaciones curiosas. Pero hay que verlo. Este artista, que domina la pintura acrílica y sabe vender bien su obra, se merece sin duda un justo reconocimiento.

Para quien desee visitar su página web, aqui está:

http://www.ignaciogoitia.com

http://www.euskalnet.net/inagoitia

Y para muestra, estos dos cuadros suyos.

"De compras por el Estado Mayor", Ignacio Goitia 2001.

"Le Cocktail qui tue" (el cóctel que mata), Ignacio Goitia, 2007.